Pittura olandese del XVII secolo

Pittura olandese del XVII secolo

Il pittura olandese, nel XVII secolo, in un periodo certamente prospero per le Province Unite (queste erano le sette province settentrionali dei Paesi Bassi spagnoli che avevano deciso con l'Atto dell'Aia del 1581 di unirsi per liberarsi dalla tutela Spagnolo e acquisiscono indipendenza), fu caratterizzato da una creazione non solo sostanziale, ma qualitativamente notevole. In effetti, fertilità e qualità erano combinate. In questo articolo ci concentreremo su un genere che fiorì, vale a dire la pittura di genere, in cui primeggiava un Pieter de Hooch o un Vermeer e che amava rappresentare scene della vita quotidiana.

L'età d'oro della pittura olandese

Mentre la pittura mitologica era ancora il genere dominante praticato dalla maggior parte degli artisti europei, alcuni pittori olandesi, al contrario, cercavano di rappresentare gesti apparentemente innocui. La pittura di genere non era affatto interessata ai personaggi famosi, non era quello l'obiettivo. Questo è diverso ed è per questo che sono rappresentati individui anonimi. Era, nelle parole del saggista Tzvetan Todorov, "per rappresentare ciò che è". Era, ed è tuttora oggetto di dibattito, capire il significato di questi dipinti. C'è solo una rappresentazione della vita quotidiana o c'è un ruolo moralizzatore?

In questo senso, il dipinto intitolato “La Sacra Famiglia” dipinto da Rembrandt nel 1640 rappresenta una matrona, una madre, il suo bambino e un falegname che lavora in background e dà le spalle allo spettatore. Dovremmo, considerando il titolo del dipinto, vedere in esso un'analogia con la sacra famiglia cattolica composta da Maria, Giuseppe e Gesù? Dovremmo vedere una semplice famiglia olandese con un padre che lavorava il legno? Se Rembrandt ha fatto riferimento alla Sacra Famiglia, vuole comunque mostrare le virtù della vita familiare? Si può credere che la pittura di genere abbia effettivamente mescolato le due cose: alcuni artisti non hanno creato per scopi moralistici, mentre altri lo hanno fatto.

Una certa gioia di vivere emana da certi dipinti e alcuni pittori l'hanno provata con successo. Così Adrian Brouwer dipingeva in maniera satirica divertimenti contadini, in scene di taverne dove l'ubriachezza stravolgeva i lineamenti dei soggetti. Adrian van Ostade (1610-1685) eccelleva nel ritrarre scene di felice compagnia delle classi popolari. Nello stesso genere, Jan Steen (1625-1679), che gestiva una taverna a Leida, compose scene di case disordinate, dove l'ubriachezza, la pigrizia, il fumo e l'oscurità presero sistematicamente il potere. Spesso dipinge anche quadri gioiosi e armoniosi come il "Pasto Battesimale" che è un olio su tela del 1664 e che mostra genitori e amici che celebrano il battesimo di un neonato appena nato. luogo. In effetti, sia i protestanti che i cattolici attribuivano grande importanza al battesimo - che era, inoltre, uno dei due sacramenti, insieme all'Eucaristia, ad essere stato riconosciuto da Lutero nel XVI secolo - e che avrebbe dovuto cancellare il peccato originale. Sacramento, il primo, senza il quale la salvezza del neonato non potrebbe essere assicurata, e condannerebbe quindi l'anima del bambino a vagare nel limbo, un luogo strano dove la sofferenza e la gioia sono impossibili.

Abbiamo appena detto che, nelle scene di genere, i pittori rappresentavano ciò che è. Tuttavia, questo non è esattamente vero perché, se del caso, e le Province Unite sono state molto spesso in guerra, sia nella lotta per l'indipendenza contro la Spagna, nei conflitti marittimi con l'Inghilterra o nella guerra olandese, i pittori di genere non avrebbero dovuto raffigurare scene di battaglia? La pittura generica in realtà non ha nulla a che fare con battaglie e guerre in quanto è interessata principalmente e quasi esclusivamente alla vita quotidiana della società. Così in "The Love Letter" di Vermeer.

Realizzato intorno al 1669, vediamo una donna che riceve una lettera d'amore. Lo spettatore ha l'impressione di essere indiscreto. La sua precisione affascina. La scena è teatrale, la porta è aperta, il sipario è alzato. In tutta fretta, la cameriera, che ha portato la lettera ed era molto probabilmente ansiosa di farlo, ha messo le sue pantofole sul pavimento. La serva sembra soddisfatta di aver portato la lettera, il suo braccio, rilassato, lo testimonia. Lo sguardo del musicista è interrogativo. Le perle e la lucentezza dei tessuti forniscono informazioni sul suo rango. Le tabelle sullo sfondo sono interessanti in molti modi. Infatti, il soggetto del dipinto dietro il servo conferma la lettera. Vediamo una barca che va in mare, la barca personifica il galante che ha inviato la lettera mentre l'oceano personifica l'amore. Il libro degli emblemi d'amore di Jan Hermansz. Krul, pubblicato nel 1634, non dice forse che "L'amore è come un mare, l'amante come una nave"?

Alcuni famosi pittori di genere

Tra i famosi pittori di genere, dobbiamo citare Emmanuel de Witte (1618-1692), Gerard ter Borch, Gabriel Metsu, Vermeer, Pieter de Hooch (1629-1684), che rappresentavano quasi solo donne, comportandosi in ogni volta come madri e mogli esemplari come nell'olio su tela intitolato “Scena interna con una madre che sposa il figlio”, sottotitolato “il dovere di una madre”. Tutto è calmo, anche il cagnolino medita. La madre ispeziona attentamente i capelli di sua figlia. Questa scena è una lezione morale per il pubblico olandese: non è meglio prevenire che curare?

La scena si svolge in un interno borghese ma comunque modesto. Possiamo vedere a destra in primo piano una sedia traforata. A sinistra, l'apertura verso l'esterno, che lascia entrare la luce, che Pieter de Hooch padroneggia perfettamente. Sono presenti anche alcuni quadri che ricoprono le pareti.

A volte dipingeva anche quadri di bambini in piedi sulla soglia della porta che era stata lasciata aperta (Ragazzo con cesto, La stanza, Il gioco di Kolf, Il messaggero). In fondo, forse voleva simboleggiare la curiosità infantile per il mondo esterno, in altre parole la ricerca e la scoperta dell'ignoto. Soprattutto, era per lui il modo in cui impostare la sua arte: la padronanza della prospettiva.

Johannes Vermeer, chiamato nel XIX secolo la "Sfinge di Delft", è stato un famoso pittore del suo tempo, contrariamente a quanto si legge a volte, ma la sua grande notorietà è stata successiva, mentre era la polena artistica. da Delft. Sono state le sue scene di interni a consacrarlo. A lui dobbiamo, tra gli altri, l'astronomo, la lattaia, il geografo, la collana di perle. In "La lattaia" e "La merlettaia", la donna sembra sempre assorbita dalla sua professione.

A differenza di tutti gli altri pittori del suo paese, difficilmente dipingeva per vivere e guadagnare ma molto di più perché gli piaceva (si sarebbe potuto dire senza esagerare, se non fosse stato un vero professionista, che si dedicò all'arte come dilettante), forse per questo, secondo Todorov, "trascende l'arte del suo tempo". Inoltre, non ha mai cambiato ritmo: ha dipinto una media di tre o quattro opere all'anno.

È un "bravo pittore che dipinge sfocato", come dice Daniel Arasse. Nella maggior parte dei suoi dipinti sembra esserci un ostacolo tra la figura che rappresenta e lo spettatore. L'oggetto principale è quindi sempre preceduto da un tappeto, un tavolo, ecc. In "La merlettaia" il filo è incredibilmente preciso mentre il resto è piuttosto vago. Fondamentalmente, Vermeer voleva che lo spettatore vedesse il filo come la merlettaia.

Dipinse pochissime scene di esterni anche se due di esse divennero famose, vale a dire "Veduta di Delft" e "Il vicolo". Quanto all'uomo Vermeer, sappiamo che era il padre di undici o dodici figli (secondo le nostre letture, le cifre variavano). All'età di vent'anni si era convertito al cattolicesimo, come Jan Steen e Van Goyen. Sorprendentemente, è morto povero, non a causa di un fallimento delle sue opere.

Per quanto riguarda, in definitiva, il significato delle opere generiche, sembra che gli artisti abbiano cercato di dimostrare che la bellezza risiede in tutto, in ogni gesto, in ogni individuo. Per loro non si tratta più di rendere la ditirambica pittorica della bellezza di un'Afrodite, ma di farci capire che la bellezza della madre che allatta il suo bambino può trascendere quella della dea dell'amore.

Il simbolismo degli oggetti e la rappresentazione di donne e bambini

Spesso gli oggetti erano nascosti dietro il realismo della rappresentazione ma avevano comunque un significato morale. Per citarne alcuni, la scopa evoca la pulizia o la purezza morale della casa. La lettera si riferisce necessariamente all'amore. Lo specchio segnala la vanità. Infatti, attraverso la rappresentazione dello specchio, i pittori hanno voluto mostrare che il corpo umano può solo deteriorarsi e questo, anche aggiungendo qualche artificio e "rendendosi bello o bello".

La sessualità potrebbe essere rappresentata dalle cipolle o dalla presenza di un cane ("Le Hachis d'Oignons" di Gérard Dou e "Dame à son virginal" di Gabriel Metsu, che fu peraltro allievo di Gerrit Dou) o anche un gatto. In "Oyster Eater" di Jan Steen, una donna con uno sguardo malizioso mangia una manciata di ostriche. La precisione di ogni dettaglio ricorda i dipinti di Gerrit Dou. Emerge chiaramente da questo dipinto una sensualità rappresentata dallo sguardo della giovane donna e dalla presenza delle ostriche, note per essere afrodisiache. Questo simbolismo degli oggetti era noto ai contemporanei e hanno facilmente intuito il significato morale di questi dipinti.

Il dipinto "Woman Reading" di Pieter Janssens Ellinga mostrava una donna che leggeva in una stanza ben illuminata. Nelle Province Unite le donne godevano infatti di maggiore libertà che in Francia ea fortiori che in Europa. Ma questo non significa che si debba credere nella parità tra i sessi: le donne sono comunque invitate a restare a casa, concepire ed educare i propri figli. Inoltre, molte scene di genere li invitano a farlo. Il caso di Judith Leyster, già citato, lo illustra bene. Se era una grande rappresentante di pittori generici, la maggior parte del suo lavoro è stata prodotta prima del suo matrimonio.

Molto spesso il bambino incarna la disobbedienza e il disordine. Ma può anche evocare la virtù. A volte, pittori che avevano pochi figli come Pieter de Hooch (che ne aveva due) molto spesso rappresentavano bambini nei loro quadri mentre un pittore come Vermeer che aveva dodici figli non rappresentava mai bambini!

Per ulteriori

- Pittura fiamminga e olandese. Edizioni Place des Victoires, 2015.

- Vermeer and the Dutch Masters, di Eloi Rousseau. Larousse, 2017.


Video: Rubens e Rembrandt spiegati da